jeudi 30 janvier 2014

Camuflajes del Artista, mentiras de la Fotografía ( Joan Fontcuberta )

30 janvier 2014, 

por Lunettes Rouges

Camuflajes del Artista, mentiras de la Fotografía ( Joan Fontcuberta )

(Artículo Original en francés aquí)

Joan Fontcuberta, serie Fauna, Solenoglypha Polipodida,
1985, prueba gelatino-argentica  tratada con sélénium


El artista es un mentiroso, que nos enreda en ficciones improbables e irrealistas, que nos arrastra hacia mezclas turbadoras, confusiones desconcertantes, engaños asombrosos, como las falsas plantas tan aparentemente científicas de Blossfeldt, que las inspiró, o animales extraños como ese monstruo de doce patas, que el célebre teratólogo Peter Ameisenhaufen descubrió en Tamil-Nadu el 30 de abril de 1943 y que su asistente Hans von  Kubert fotografió para los expedientes científicos del profesor.



Joan Fontcuberta, serie Herbarium, Giliandria escoliforcia,
1984, prueba gelatino-argentica


Pues si el artista es (quizás) un mentiroso, la fotografía, no miente nunca, los testimonios fotográficos prueban sin lugar a dudas la existencia de esta Solenoglypha Polipodida de doce patas, arriba, o de la Gilandria escoliforcia aquí indicada.




Joan Fontcuberta, serie Orogenesis, Orogenèse : Derain, 2004, impresión cromogénica


Joan Fontcuberta en la MEP (hasta el 16 de marzo) desbaratando camuflajes seduce por su ingenuidad fingida, su obsesión serial y su cuestionamiento perpetuo del mito de la veracidad fotográfica, pero también puede aburrir al cabo de cierto tiempo pues la demostración de tres pisos se vuelve repetitiva. Después, la objetividad científica, que se trate de flora o de fauna, descubrimos fósiles de sirenas, descubiertos por un Teilhard de Chardin bajo-alpino, imágenes nocturnas del cielo que son en realidad fotos de parabrisas manchado de insectos aplastados, y, aquí arriba, paisajes virtuales nacidos de la transformación de cuadros (aquí Le Bosquet de Derain, 1912) con un programa de cartografía informática. Lo que más nos atrae es la forma, la capacidad de crear museos imaginarios, colecciones científicas inventadas con lujo de detalles, encuestas prácticamente policíacas, biografías romanescas, todos alimentados con el mito de la veracidad fotográfica.



Joan Fontcuberta, serie Miracles & Co, Miracle du miroir, 2002 ( Milagros del espejo, 2002 )

La postura política de Fontcuberta es más interesante, cuando, disfrazado de Munkki Juhani, investiga sobre el monasterio de Valhamönde en Karelia, en donde enseñan, a cambio de cierta suma, a hacer milagros; cuando hace revivir a Iván Istochnikov, un cosmonauta ruso cancelado por la historia oficial, o cuando dos fotos reportajes de la agencia Al-Zur basada en Qatar revelan después de una larga encuesta que el  brazo derecho de Bin Laden (el famoso Dr Fasqjyta-Ul Junat) era en realidad Manbaa Mokfhi, un ex actor de telenovelas y de propagandas para la televisión.



Joan Fontcuberta, serie Desconstruir a Oussama, Corte de prensa relacionado con el asunto  Manbaa Mokfhi, alias Dr. Fasqiyta-Ul Junat, 2003


Cada quien sabe que la religión es el opio del pueblo y el abono para todas las supersticiones, que la ideología gobierna la historia y la camufla si es necesario, y que el terrorismo es una construcción del poder y los medios; pero es estimulante ver esas tesis traducidas a imágenes, para que no olvidemos que hay que dudar de las fotografías y de su pretendida veracidad.





 Joan Fontcuberta, serie el Artista y la Fotografía, Retrato de Pablo Picasso hacia 1960 por André Villers














Y nos enteramos de que artistas como Picasso, Miro o Dalí eran en realidad fotógrafos, en pocas palabras, la pintura no era sino un subproducto de sus investigaciones fotográficas. Fontcuberta activa el crítico norte americano Rosalynd Kroll (uno de los raros nombres claves de ese trabajo, bastante evocador) que declara, "una revelación de tal envergadura sacude los fundamentos de la historiografía del arte moderno y contemporáneo y nos obliga a volver a escribirla a la luz de la citas con la fotografia concluidas con éxito o fracasadas". Buena pirueta!

Todas las fotos(c) Fontcuberta. Fotos 1, 2 & 3 cortesía de la MEP; fotos 5 & 6 del autor.

Share and Enjoy


Señalar el contenido como inapropiado

mardi 28 janvier 2014

Baselitz y Leroy a la búsqueda de lo invisible ( y de la pintura )

28 de enero de 2014

Baselitz y Leroy a la búsqueda de lo invisible ( y de la pintura )

(Artículo Original en francés aquí)



Eugène Leroy, Autoportrait rouge, 1968, huile sur toile, 73x54cm, MUba, donation EJ et JJ Leroy










































Antes de examinar el asunto, no hay mucho que acerque los cuadros de George Baselitz a los de Eugène Leroy, pero esos dos se conocen y se aprecian, y el más joven fue el artesano del descubrimiento del otro por los alemanes ( Michael Werner sobre todo ) : buen pretexto para reunirlos en una exposición en el MUba de Tourcoing ( hasta el 24 de febrero ), claro que uno se va preguntándose si saldrá convencido. Lo que los une, se dice uno, una vez allá, es que el acceso a lo visible en su pintura es trabajoso, ya sean las figuras volteadas de Baselitz frente a las cuales la mirada toma tiempo para orientarse, o los lienzos saturados de Leroy en los cuales hay que sumergirse, partir a la búsqueda de símbolos, de indicios, antes de ver emerger formas reconocibles. Aquí se pone a prueba lo visible, y hay que salir en su búsqueda. 



Georg Baselitz, Porträt einer Vase, 1997, huile sur toile, 250x200cm, coll. artiste, ph. Jochen Littkemann







































La serie de Baselitz que se presenta aquí, sobretodo "retratos de familia" de gran formato, tiene el trazo claro, el color fluido : la turbación aparece, como siempre en su obra, del esfuerzo mental necesario para invertir la imagen que se inscribió en nuestra retina. Aquí y allí, el bosquejo flotando de un personaje ( visitamos el Rhin II ), un cuerpo coronado ( Nosotros en la casa ), o una mujer desnuda que emerge de un cabeza ( Retrato de un jarrón ) son figuras de excepción en ese mundo invertido. 



Georg Baselitz, Porträt mit Untermieter, 1997, huile sur toile, 200x162cm, coll. part.






































La disposición de dos cuadros pies contra cabeza ( expresión que evoca las figuras de los juegos de naipes, y también, para mi, lejanos recuerdos filatélicos ) nos desorienta, un Retrato Viviendo y un Retrato con Subarrendatario, es evidente que el uno como el otro son dobles, sombras del artista, pero no son totalmente idénticos ( una mecha roja por aquí, una mano izquierda por allá ), apenas lo suficiente para introducir cierta incertidumbre, cierta ambivalencia. 



Eugène Leroy, Le cavalier polonais, 1986, huile sur toile, 195x260cm, coll. indivision E Leroy, Paris

























Frente a esas líneas claras que la imagen le propone a nuestra mirada, la pintura de Leroy exige que vayamos a buscar la imagen en el fondo del lienzo, en el fondo de la materia, en esa zona incierta y desconcertante : tenemos que avanzar y retroceder, encontrar la buena distancia, ni la nariz en el magma, ni el cuerpo demasiado distante, tenemos que pulir los vidrios de las gafas, arrugar los ojos, tratar de acomodar, y, a menudo, ayudándonos del título, tratar de identificar la forma prometida, casa roja o caballo polaco, encontrar los trazos más claros o más oscuros que el fondo que la dibujan, y, por fin, verla emerger. Es bastante más difícil que la torticolis baselitziana, no basta volcar, hay que darle la vuelta: es un esfuerzo para el espectador, es incluso un combate contra sus referencias, contra su razón. Todavía más que en la obra de Baselitz, esta desestabilización de la imagen, ese rechazo de la representación evidente nos ofrece en realidad la posibilidad de acceso al medio mismo, perseguir algo esencial en la pintura, ir más allá de la representación para que nos preguntemos que es en si la pintura.Las fotos 2 & 3 cortesía del MUba. Como la ADAGP representa a Eugène Leroy, las representaciones de sus obras serán retiradas del blog al final de la exposición.

Share and Enjoy

lundi 27 janvier 2014

Les poemas visuales intemporales de Peter Hutton

27 de enero de  2014, 

Por Lunettes Rouges

Les poemas visuales intemporales de Peter Hutton

(Artículo Original en francés aquí)



Peter Hutton, Three Landscapes, 2013
























Último episodio en Bruselas : las películas de Peter Hutton en la Loge (hasta el 1 de febrero); numerosas imágenes y algunos extractos video en esta página. Su última película, Three Landscapes, muestra en tres pantallas, tres paisajes (una acería bastante "constructivista", un paisaje bucólico y nublado, y un desierto mineral y despojado), y en cada uno de ellos, gestos de hombres trabajando, como aplastados por la catedral de acero de Detroit, casi irreales y flotando por la sequía del Danakil o al contrario con cierta humanidad, más familiar en los suaves paisajes del Hudson. No es realmente un documental o un relato, más bien un poema. Y la imagen tan gráfica de dos obreros subiendo con precaución hacia lo alto de una torre de la fábrica con fondo de nubes, parece salida de una película a la gloria de la industria soviética, cuando el arte (cinematográfico sobre todo) celebraba todavía el "progreso".

Peter Hutton, At Sea, 2004-2007


Peter Hutton fue marinero en buques de carga, y el ritmo lento de su película At Sea al mostrar el nacimiento, la vida y la muerte de los barcos (de un astillero coreano a un cementerio en Bangladesh) está en armonía con su mirada de "marinero".



Peter Hutton, Study of a river, 1997










Otras películas (Lanscape for Manon, Study of a River) muestran imágenes más sosegadas, más campestres. Los remolinos de las aguas del Hudson River hacen eco a las espirales de humo y de llamas contra las que intentan combatir los bomberos de Boston Fire : fuerzas fuera del tiempo, fuera del mundo, eternas y primitivas.



Peter Hutton, Lodz symphony, 1993



















Y al fin, Lodz Symphony está compuesta de imágenes de esta ciudad de Polonia, imágenes fijas del deterioro urbano en donde nacen juegos de óptica, vibraciones mecánicas, todo un código visual de la modernidad. Como un canto al desengaño.


Share and Enjoy


Señalar este contenido como inapropiado

vendredi 24 janvier 2014

Cómo informar sobre un mundo que se derrumbó? (Petrit Halilaj)

24 de enero de 2014,

Por Lunettes Rouges

Cómo informar sobre un mundo que se derrumbó? (Petrit Halilaj)

(Artículo Original en francés aquí)


Petrit Halilaj, Poisoned by men in need of some love (quatuor Bubo Bubo), 2013

Es como si no hubiera visto la exposición de pinturas de Walter Swennen en Weils, Bruselas (hasta el 26 de enero) : a pesar de haber mirado y vuelto a mirar, de leer, e intentar ver mejor, sentir mejor, comprender mejor, sigue siendo un enigma completo, un vacío absoluto (todavía peor que con él). En cambio le dedicaron un piso (ya se acabó la exposición) al artista kosovar Petrit Halilaj y a su obra sobre la colección de animales naturalizados del Museo de Historia Natural de Prístina. Quizás algunos lo hayan visto en la preapertura de la Fundación Galerías Lafayette en París durante la FIAC : lo que en París mostraron en la penumbra, en Bruselas lo mostraron en plena luz. Esta colección de animales naturalizados fue encerrada en un sótano húmedo del museo para dejarle el espacio en las salas a una exposición sobre el patrimonio nacional del Kosovo. Diez años más tarde hicieron abrir las bodegas, Halilaj y los curadores descubrieron los animales deteriorados, podridos por la humedad : la obsesión patrimonial nacionalista destruyó la colección científica. Como informar sobre un mundo que se derrumbó, se pregunta Halilaj, como dar testimonio de un desastre cultural? Él lo hace no solamente con una película, aquí hay tres pantallas con, a los lados, efectos de enfoque sobre el primer plano para mostrar el moho, lo que produce un bonito efecto, y también poblando el espacio con reconstrucciones de ruinas, animales rehechos con tierra y materia fecal, que presenta noblemente, puestos en lo alto como héroes de un mundo que ya no existe.


Petrit Halilaj, Poisoned by men in need of some love (Vitrines), 2013

Al fin, si se lograba encontrar la "Project Room" en los rincones de Wiels, el artista en residencia Axelle Stiefel presentaba un trabajo sobre el mecanismo narrativo, en el cual el visitante entraba en un relato, absorbido por un mezclador de música , incluso por una pantalla, que formaba parte de un montaje en el que una silla miraba otra silla, en donde el aparcamiento exterior se reflejaba en el interior. Fue un trabajo preciso y meticuloso sobre el relato, sobre las dificultades formales, sobre el dispositivo : habrá que seguirlo.


Axelle Stiefel, sin título (Project Room Wiels), 2013


jeudi 23 janvier 2014

La India en Brusela

28 de enero de 2014,

Por Lunettes Rouges

La India en Bruselas

(Artículo original en francés aquí)



Akash Purusa



Bozar en Bruselas mostraba dos exposiciones sobre la India, una, Indiomania ( que cerrará el 26 de enero ) trata sobre la idea que los europeos se hicieron de la India desde Vasco de Gama ( hubiéramos podido ir hasta la estatuilla de la diosa Lakshmi encontrada en Pompei ). Es un descifrado cultural interesante, me llamó la atención el interés de Rodin por las miniaturas mongoles. La otra exposición ( que ya se acabó ) trataba del cuerpo en la India : curiosamente la sensualidad estuvo totalmente ausente, ni Kama Sutra ni nada que tuviera que ver con el sexo. Vi una buena película de Hans op de Beek, Before the rain, advirtiendo en Kerala una luz casi flamenca, imprecisa, blancuzca y como algodonada, justo antes de lluvia. Me impresionaron los objetos Jaïn que se suponía mostraban la imagen del cuerpo efímero : son unas placas de cobre vaciadas en donde se dibuja en huecograbado la silueta de un cuerpo estilizado. Se llaman ( siguiendo más o menos lo signos diacríticos ) Akash Purusa o Siddhapratimayantra. Me parece hermosa esta huella de una ausencia.


Anish Kapoor, Large Mountain, 1994, bois composite et peinture métallisée, 317x249x404cm, coll. groupe Lhoist






















En el vestíbulo delante de las exposiciones, estaba la montaña de Kapoor, cinco cimas inaccesibles : fascinante. Y también, una exposición documental sobre Jonas Mekas, bastante desorientada sin poder resaltar el esplendor del personaje. ( hasta el 26 de enero ) 

Share and Enjoy

vendredi 17 janvier 2014

En torno a Khanweiler ( y de Leiris )

17 de enero de 2014, 

Por Lunettes Rouges

En torno a Khanweiler ( y de Leiris )

(Artículo Original en francés aquí)


La exposición Kahnweiler en Villenueve d'Ascq ( que cerró sus puertas el 12 de enero ) fue un homenaje, muy bien hecho e instructivo, al galerista y a sus artistas. Mirábamos todos esos grandes nombres respetuosamente, al tiempo que recorríamos una página de historia. Como no estoy lo suficientemente inspirado para contarles en detalle y de forma bastante animada, me contentaré con proponerles tres o cuatro viñetas.La primera estaba ya en la entrada, en donde, si uno se apartaba de la mujer hocicona de van Dongen se veían a la izquierda unas diez xilografías de Derain que datan de 1906. Debo confesar mi parcialidad ( inexplicable ) en lo que se refiere a los grabados en madera, sus líneas gruesas, sus negros inciertos y estriados, sus playas blancas salpicadas, su materialidad: mientras que una litografía, un grabado al ácido o una punta seca, raramente dejan ver el material con el que fueron realizadas. Frente a una estampa xilográfica, casi siempre se ven las venas de la madera, sus estrías, sus irregularidades, y esta aparición del material, de la naturaleza en en interior mismo de la obra de arte siempre me ha parecido bastante conmovedora. Esos Derain son desnudos, solitarios o en grupo, y su sensualidad algo salvaje es como moderada por la falsa tosquedad de los rasgos. En una vitrina, descubrí L'enchanteur pourrisant ( que podríamos traducir como El encantador pudriéndose ) : primera obra ilustrada por Derain y primera publicada por Kahnweiler (1909), Apollinaire tenía 19 años.



André Derain, Nu (L'enchanteur pourrissant), 1906, xylographie, LaM



La exposición trataba con indulgencia el bajón de Kahnweiler a finales de los años 20,cuando sus artistas principales eran Eugène de Kermadec y Suzanne Roger, pintores ciertamente honorables, pero no exactamente en la misma liga que Picasso, Léger o Masson. En cambio fue más elocuente sobre el hecho de que Kahnweiler pasó sin ver el surrealismo y que su amistad con André Masson ni siquiera lo condujo a apreciar a Max Jacob, Bataille, ou Desnos, que conoció gracias a Masson. La Resistance ( la Resistencia ) de André Masson, fue la obra central de la reapertura de la galería después de la guerra: un cuadro que dizque influenció a Pollock y de Kooning.




André Masson, La Résistance, 1943/44, huile sur toile, 176x139cm,Centre Pompidou
























Gracias a Masson, Picasso y Michel Leiris ( que se casó con la hija natural de la señora Kahnweiler, Louise Godon), un tema muy presente aquí, y que los conservadores tuvieron la inteligencia de no volver insípido, es el de la tauromaquia. Leiris la compara a la "guerra inexpiable del creador con su obra... Última oportunidad para el hombre, si se atreve a arriesgar sus huesos, de darle cuerpo a la vida." Además de los cuadros de Picasso y de los grabados de Masson, magníficos y trágicos , había en el piso superior, una sala sobre Leiris y el libro ilustrado, por aquí, El espejo de la Tauromaquia ilustrado, por allí, Masson por Francis Bacon: una hermosura que posiblemente en el futuro solo sirva para recordar la nostalgia de las fiestas pasadas. Masson, Derain y Bacon representados por l'ADAGP, las reproducciones de sus obras serán suprimidas del blog al cabo de un mes.

jeudi 16 janvier 2014

Las imágenes que desaparecerán y las que perdurarán ( Sylvain Couzinet-Jacques )

16 de enero de 2014,

Por Lunettes Rouges

Las imágenes que desaparecerán y las que perdurarán ( Sylvain Couzinet-Jacques )


(Artículo Original en francés aquí)



Sylvain Couzinet-Jacques, série Standards&Poors, 2013






















Hasta el 12 de enero podíamos ver en el BAL el trabajo sobre la desaparición y la invisibilidad de Sylvain Couzinet-Jacques, Standards&Poors. De él conocíamos algunos amotinadores enmascarados, escondidos, borrosos, irreconocibles, otras imágenes al margen de la visión, al margen de lo mostrable. Aquí, a primera vista son visiones banales de parques inmobiliarios de ocio en la España en crisis, para ilustrar la aberración de la especulación inmobiliaria. En sí, sería interesante, sin más, un trabajo documental de más. Pero el interés principal de este trabajo está en la manera de articular el fondo y la forma : las fotografías son imágenes deterioradas por el calor, la luz, las lámparas uv en el techo de la sala de exposición continúan el proceso en curso de desaparición de la imagen, de extinción del testimonio. 




Sylvain Couzinet-Jacques, série Standards&Poors, 2013






















Algunas pequeñas imágenes, sin embargo, son preservadas, protegidas detrás de pantallas protectoras : sin ver, como nos invita de una manera bastante simplista el folleto de sala, banqueros inmunes o evasores fiscales, en efecto podemos leer una fisura, una frontera entre los que logran arreglárselas y los otros, entre las imágenes que perdurarán y aquellas que otra moda se llevará mañana. Es una exposición violenta, que resiste, de cierta manera política, en la que la denunciación de los especuladores es de cierta manera un pretexto, un medio para ir más lejos en el cuestionamiento de la imagen. ( otras imágenes aquí y en las páginas siguientes)En el sótano, había cuatro jóvenes fotógrafos españoles. El más misterioso mostraba astros y fósiles.

mercredi 15 janvier 2014

Un Jardín de las Delicias en París

15 de enero de 2014, 

Por Lunettes Rouges

Un Jardín de las Delicias en París 

(Artículo Original en francés aquí)
Art Orienté Objet, Transe Fusion, 2013








En el Museo de la Caza y de la Naturaleza, las exposiciones de arte contemporáneo son (casi) siempre asombrosas, tanto por la elección de los artistas como por la manera en que sus obras logran infiltrarse en las colecciones del Museo, de una forma casi clandestina, camuflada. Y a causa de esto, de sala en sala, uno no consigue deshacerse de cierta inquietud : lo he visto todo? Se me ha pasado algo, escondido en un rincón, disimulado en una vitrina en medio de animales empajados o de trofeos de caza? Hasta el 2 de marzo, podemos ver, el dúo Arte Orientado Objeto, un nombre para conceptualizar, bastante poco atractivo, que no tiene porque desanimarle para hacer una visita. Toda la exposición está basada en premisas más bien ecológicas, de cercanía con la naturaleza, con la diferencia de que aquí no es justo una postura, ni justo un discurso político, ni justo el barniz oportunista de un notable que ha acumulado un montón de multas sin pagar, sino que es su carne y su sangre mismas. 
Art Orienté Objet, Que le cheval vive en moi, vidéo, 2011







Su sangre? Si, pues la mitad femenina del dúo, Marion Laval-Jeantet se hizo inyectar sangre de caballo en el marco de una experimentación biológica, lo que supone un riesgo evidente. Además de la video de la transfusión ( en Eslovenia, era ilegal en Francia ), también está la prótesis que se puso para caminar como un caballo, y una instalación conmemorativa ( arriba ). Es demasiado?sin duda; en todo caso es difícil deshacerse de cierta sensación, no tanto de repulsión, en todo caso de distancia frente a esta osadía. También hay zapatos ortopédicos para caminar como un gato, y en complemento la cola.
Art Orienté Objet, Le Cornebrame, 2013, capture d'écran vidéo










Además de los intentos de animalización, la cercanía con el animal significa también su reciclaje : el comebrame es una especie de gaita hecha de piel de venado, y los sonidos que se sacan evocan su bramido. La manera como Marion Laval-Jantet tiene que coger por la cintura el venado de piel inflada de aire, acostarse encima de ella, acaballarla y pegarse con todo su peso para que el aire ( plácidamente soplado por su compañero Benoit Mangin ) expire a través de los tubos y las caderas y produzcan un sonido, es extraordinariamente sensual, incluso casi sugerente de una zoofilia reprimida. 
Art Orienté Objet, La peau de chagrin, 2009-2010















En cuanto al oso polar de lana, las luces resplandecientes que lo calientan tienen un poder emanante que obligan al espectador a no quedarse mucho tiempo en la sala : los peligros del calentamiento global se vuelven concretos en la calle des Archives.... La exposición se coloca bajo el signo del Jardín de las Delicias, como evocando un mundo en el que las relaciones entre los animales y los humanos no serían tan cartesianas como lo son ahora. Estos artistas son unos "impedidores de pensar en círculo" 
Y Lee Ufan está en la entrada del Museo....
Tercera foto del autor.
Share and Enjoy

mardi 14 janvier 2014

Discurso de un vejestorio alérgico al teatro del mundo

14 de enero de 2014, 

Por Lunettes Rouges

Discurso de un vejestorio alérgico al teatro del mundo

(Artículo Original en francés aquí)



Teatro del mundo, La Maison Rouge (La Casa Roja), vista de la exposición (J. et D. Chapman, Great Deeds Against the Dead, 1994, MONA, escultura; R. Gober, Hanging Man / Sleeping Man, 1989, papel de colgadura)





Puede ser que no sea moderno ni sensible, pero cuando visito una exposición prefiero saber que es lo que voy a ver, y si es posible, para los universos que no conozco, encontrar elementos para poner en contexto, y algunas explicaciones de las razones por las cuales el comisario de la exposición ha elegido poner tal o tal objeto al lado de tal otro. Por lo tanto, me siento incómodo en las exposiciones en las que lo que se quiere, es que resalte "la experiencia" del espectador, sus sensaciones, a expensas de su razón. No les estoy tirando la piedra, no deseo que el consejo de estado los prohíba, pero cuando se pone en relieve lo siguiente: "con el fin de dejar al visitante libre de seguir estos diálogos y libre de crear los suyos propios, las informaciones sobre las obras se dan no en carteles sino en la pequeña guía que se le ha entregado a cada uno", mi sentido crítico se afila, pues para mi, ello parece privilegiar un enfoque puramente visual, formal, estético de los objetos presentados en perjuicio de su comprensión.

Ay! Es entonces lo que sentí en la Maison Rouge (La Casa Roja) en la exposición teatro del mundo (que se termina el 19 de enero). Respeto muchísimo al comisario, Jean-Hubert Martín y nunca olvidaré Les Magiciens de la Terre ( los Magos de laTierra ), pero no me convenció para nada la mezcolanza que presenta aquí. Por ejemplo, comparten la misma vitrina un reposa-cabezas japonés de 1890, la cerradura de una cárcel de Tasmania del siglo XIX, un cántaro torico de 300BC y una mariposa-búho de Brasil : una aglomeración poética, sin duda, o surrealista, probablemente basada en la evocación de formas cuyo sentido se me escapa, y le escapa con mayor motivo, sin duda, a todo aquel que no le eche sino un vistazo discreto a la guía de visita y no tenga los medios para saber donde se encuentran Hobart y Panticapaeum, nombres que se le lanzan al visitante sin explicación alguna. Si añado que esos objetos están instalados en un lugar que se intitula "Campo" aderezado con la siguiente frase "Hasta los objetos inanimados pueden recobrar vida y mirarnos", quizás entiendan la confusión que se apoderó de mi mente al visitar esta exposición ( de la cual, en otras partes se dice lo mejor ) que reúne obras del museo de Tasmania y de la colección de David Walsh ( el hombre que apostó que la muerte se le aproxima a Christian Boltansky ).

Claro que hay obras interesantes, de arte vernáculo , primer arte, arte contemporáneo, pero todo parece sacrificado por el espectáculo, una puesta en escena de museo, hecha para deslumbrar, para impresionar visualmente, todo "llama la sensibilidad y las emociones, relegando al segundo plano el discurso erudito y pedagógico". Que puede ser la sensibilidad sin conocimiento ? Una emoción en bruto, anterior a la razón, de reptiles? No es ni siquiera, como lo leí en alguna parte, un gabinete de curiosidades, pues este estaba hecho para vivir en él e impregnarse, no para mostrárselo a un visitante que está de paso, más o menos ignorante; el propietario y sus amigos desarrollaban un conocimiento sobre los objetos presentados, los estudiaban, los analizaban, y no se satisfacían del sólo impacto visual por fuerte que este fuera. Hasta encontré aquí un objeto que decora mi cuarto de baño, una cabeza de frenología de cerámica, idéntica a la que compré hace quince años en una tienda de Canterbury... Por poco nos creeríamos en un mercado de las pulgas de Verdoodt en el Palacio Fortuny...




Cabeza frenológica

Uno de los momentos más sorprendentes de este "deslumbramiento" es una sala llamada "Aparición" en donde unos quince objetos se encuentran en la penumbra y cada uno es iluminado durante unos segundos para luego volver a la oscuridad: usted no tendrá sino esos breves instantes de luz para apreciar una escultura de Romuald Hazoumé, un adorno de pelvis del estrecho de Torres o un cabo de oveja escocesa, que evocan todos un rostro humano. No sabe usted, que es un cabo de oveja? Pues bien, no se preocupe, eso aquí no tiene ninguna importancia, lo que cuenta es que este parece tener dos ojos y una boca (eso creo).



Teatro del Mundo, La Maison Rouge, vista de la exposición ( A. Giacometti, Gran figura de mujer Leoni, 1947, Fundación Maeght)

Bueno, podría hablar de los  hermanos Chapman (arriba, una escultura de decapitación y de emasculación tamaño natural particularmente encantadora), de Basquiat y de Millares, y de Juul Kraijer, que descubrí con interés y me gustó el acercamiento entre una gran figura de Giacometti y de un sarcófago saïte sobre fondo de tejido de cáscaras rituales : sin saber más sobre esas tapas, podríamos probablemente hablar de muerte, de destino, del más allá. Pero ese no es el objetivo de la exposición, más vale errar distraídamente, de la Epifanía al más allá pasando por la génesis, la civilidad, el aura, para volver a tomar algunas de las palabras claves que se supone están allí para  explicarnos. Definitivamente soy un vejestorio alérgico a esos espectáculos.

Julius Popp, Bit.fall, en otro lugar (indeterminado)
























Otra cosa, la obra del patio, de Julius Popp, es bella: una visión efímera de palabras proyectadas en una cortina de lluvia.(Bit.fall).
La segunda foto es del autor.
A veces escribo en otras partes que en el blog. Para seguirme en todo en 2014, vayan desde ahora a Facebook o Twitter en donde por ejemplo pueden encontrar enlaces hacia otros textos míos. (por ejemplo).


Share and Enjoy

Señale este contenido inapropiado